Un artista más allá del minimalismo

Robert Grosvenor, maestro de la escultura estadounidense, falleció el 3 de septiembre en Long Island, Nueva York, a la edad de 88 años. La Paula Cooper Gallery, que ha representado su obra desde 1968, anunció oficialmente su fallecimiento.

Durante más de 60 años de actividad artística, Grosvenor rechazó ser clasificado en cualquier género y construyó un lenguaje formal único. Aunque principalmente conocido por sus grandes esculturas abstractas, su universo artístico abarcó diversos medios como fotografía, dibujo y collage.

Pionero del minimalismo, pero mucho más

En la década de 1960, Grosvenor fue reconocido como figura clave del movimiento minimalista. Participó en la revolucionaria exposición "Primary Structures" del Jewish Museum en 1966 y en "Minimal Art" del Museo Municipal de La Haya en 1968, compartiendo espacio con Donald Judd, Sol LeWitt y Robert Morris.

Sin embargo, se alejó del formalismo estricto del minimalismo para seguir su propio camino. Utilizó materiales industriales de manera poco ortodoxa y exploró con ingenio la dinámica espacial y los conceptos de funcionalidad. Sus obras fueron diversas: desde estructuras de acero en voladizo que parecían desafiar la gravedad hasta vigas de madera rotas y carrocerías de vehículos colocadas en el suelo.

El crítico de arte John Yau comentó sobre una obra de Grosvenor de 2020 —una escultura compleja compuesta de bloques de concreto, revestimiento de goma y agua estancada—: "La estructura es simple y sorprendentemente económica, pero al mismo tiempo humorística y generosa. Grosvenor camina hasta la línea que separa el arte de la función, pero nunca la cruza ni la comenta. Este es su talento, y no conozco ningún escultor con esta capacidad".

Un viaje artístico entre Europa y Estados Unidos

Nacido en la ciudad de Nueva York en 1937, Grosvenor creció en Rhode Island y Arizona. Durante su adolescencia, recibió una educación clásica estudiando arte y diseño en Europa. Estudió en la Ecole des Beaux Arts de Dijon, la Ecole Supérieure des Arts Décoratifs de París y la Universidad de Perugia en Italia.

En una entrevista con Brooklyn Rail en 2019, reveló que durante sus años de estudiante se inspiró en artistas experimentales como Yves Klein, Lucio Fontana y Piero Manzoni.

Regresó a Estados Unidos en 1959 y, tras seis meses de servicio militar, se mudó a Nueva York. Allí estableció vínculos con miembros de la Park Place Gallery, una cooperativa dirigida por Paula Cooper, y de la Green Gallery, que proporcionó una plataforma inicial a artistas como Yayoi Kusama y Mark di Suvero. En ese momento describió su obra como "pintura que se desprende de la pared" y comenzó a participar en exposiciones colectivas a partir de 1962.

Obras representativas y legado artístico

Según la Paula Cooper Gallery, el propio Grosvenor consideraba "Transoxiana", presentada en 1965, como el punto de partida de su carrera. Esta escultura en voladizo angular de 31 pies (aproximadamente 9.4 metros) de longitud fue posteriormente exhibida en la exposición "Primary Structures", junto a obras pioneras del minimalismo.

"Topanga" (1965) es una obra geométrica dinámica creada después de ver fotografías de un enorme telescopio solar en el desierto de Sonora en Arizona, que demuestra su sentido espacial. Su estructura de acero blanco sin título de 1968-1970 sorprendió al público con su forma aparentemente suspendida en el aire.

Grosvenor deliberadamente no tituló muchas de sus obras y rara vez proporcionó explicaciones sobre ellas. Esta actitud era su manera particular de invitar al público a confrontar directamente las obras y descubrir su significado por sí mismos.

En la frontera entre arte y función

Las obras de Grosvenor a menudo desconcertaban al público, pero precisamente esa opacidad y ese ingenio seco hacían especial su arte. Exploró la frontera entre el arte y la funcionalidad manteniendo un equilibrio sin inclinarse hacia ningún lado.

Durante más de 60 años, rechazando definiciones de género y desarrollando su propio lenguaje formal, Grosvenor ocupa una posición única en la historia de la escultura contemporánea. Sus obras, situadas en el contexto histórico del minimalismo, expandieron constantemente sus límites y presentaron nuevas posibilidades.